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El arte de escribir ?de arte

Una conversación con el poeta y crítico Miguel Ángel Muñoz sobre sus recopilaciones de Rubén Bonifaz y José Hierro.

Publicado: 24.05.2013 - 01:52

Con una conversación con el poeta y crítico de arte Miguel Ángel Muñoz iniciamos la serie de entrevistas en podcast Conversiones y conversaciones, con la idea de platicar con personas que hayan llevado a cabo una conversión, es decir, que hayan contribuido a cambiar de rumbo una idea.

Miguel Ángel publicó recientemente dos libros, recopilaciones de poetas que escribieron sobre artes visuales: Elogio del espacio, con textos del mexicano Rubén Bonifaz, y Los sentidos de la mirada, con textos del español José Hierro.

Y desde las primeras páginas, despertaron en este redactor una preocupación: ¿Cómo hablar de arte visual? ¿En términos pretendidamente científicos, explicarlo y clasificarlo como hacen muchos? ¿No será mejor que sea en términos artísticos, poéticos, que nos hagan sentir más que entender?

Miguel Ángel vino a la redacción y grabamos una conversación sobre esos y otros temas (misma que puede escuchar en eleconomista.mx), pero además trajo una entrevista de la que tomo algunos extractos.

¿Cuál es el asombro mayor ?que te causó trabajar con ellos?

Descubrir los límites que sugieren sus textos y lo que deben aportar al lector. Es decir, toda obra de arte es abierta. De los dos aprendí mucho, sin embargo, de Hierro a mirar y escuchar el arte. Estar con él en el Museo del Prado fue descubrir de nuevo a Goya, Velázquez, Tiziano, y en especial, la pintura italiana del siglo XVII. Y desde luego, de entender a Picasso, Braque, Tapies o Barceló...

Era escucharlo describir un cuadro para mantener el asombro.

Con Rubén Bonifaz Nuño fue redescubrir el arte prehispánico y su vinculación con el arte contemporáneo mexicano. Creo que este puente lo cumplen en especial dos artistas: Ricardo Martínez y Ángela Gurría. Sin duda, dos de los artistas más interesantes para Bonifaz.

¿Es la abstracción la característica más generalizada de los movimientos artísticos durante la primera mitad del siglo XX?

La abstracción es un concepto problemático. Mezcla desde posiciones experimentales, como la de los vanguardistas del este de Europa, hasta Kandinsky, quien también se considera abstracto, y el expresionismo abstracto estadounidense, que no tiene nada que ver. Es problemático porque se define a partir de un componente negativo: la ausencia de figuración y, como han dicho artistas como Picasso o Miró, nunca hay una pintura que no sea figurativa de algún modo.

¿Crees que no existe la pintura abstracta?

No en términos totales. Sin embargo, si buscamos una característica positiva, que no sea sólo la ausencia de figuración, para definir buena parte de la llamada pintura abstracta, ésta se encuentra en la analogía musical. Esta analogía se encuentra en autores que se asocian con un ritmo. Por ejemplo, Boccioni. En los hermanos Delaunay, en Kandinsky, en el Monet de Los nenúfares. Es una tradición que continúa con Klee y, de modo más lejano, en Miró. Eso sí, forma una tradición importante que atraviesa todo el siglo XX y que sigue teniendo fuerza después de la crisis de la modernidad. Hay una abstracción posmoderna muy poderosa y clásica; Sean Scully, Charo Pradas o Xavier Grau podrían ser sus dignos representantes.

A tu juicio, ¿cuál fue el último gran movimiento del arte moderno?

El informalismo fue y es el gran movimiento internacional. Se dio en Europa y Estados Unidos, donde recibió el nombre de expresionismo abstracto. Hay artistas clave como Antoni Tàpies, Josep Guinovart, Antonio Saura, Manolo Millares en Europa, o estadounidenses, como Pollock, Rothko o Franz Kline. El interés por la materia coincidía con una rebelión contra la forma. Lo que siguió ya forma parte de la posmodernidad. Se ha pensado que la modernidad era la época en la que la creación artística estaba más determinada por la contemporaneidad, pero no es cierto.