Guardians of the Galaxy Vol. 2 cumple con muchas de las promesas de su predecesor, haciendo eco de su familiar humor, bromas de cómic y un ambiente irreverente y autodespreciable. Obviamente, se duplica en una banda sonora retro, tan mala, que resucita los 40 mejores éxitos de los baby boomers y las eras de la Generación X con un abandono desvergonzadamente intrigante.

Si Hooked On a Feeling , el dudoso pegajoso éxito pop de Blue Swede, fue el tema no oficial de la primera Guardianes de la Galaxia, la nueva iteración se define por su apertura: Brandy (You ‘Are a Fine Girl) , una balada de amor de la banda de Nueva Jersey Looking Glass, que se convirtió en un éxito en 1972. Las letras de las canciones se invocan explícitamente en Guardians of the Galaxy Vol. 2, compartiendo el orgullo de The Chain , de Fleetwood Mac, cuyos percusivos y galopantes ritmos ayudan a diluir el drama y la acción en un momento crucial.

Sin duda, estas regresiones se suman al atractivo de las películas de Guardianes, dirigidas directamente a los centros de placer de las audiencias más viejas y que provocan recuerdos atávicos de los espectadores más jóvenes que crecieron escuchando las oldies de sus padres en la radio y en Spotify.

Definen un género en particular, lo que yo llamo películas needle-drop, refiriéndose al término para poner canciones, o porciones de canciones, sobre escenas en vez de una pieza específicamente compuesta para la película. Cuando estas canciones se han curado con cuidado y se despliegan juiciosamente, pueden mejorar la atmósfera de una película y los sentimientos no expresados de sus personajes. Con demasiada frecuencia, sin embargo, son pliegues perezosos para ganarse a la audiencia, o para señalar el conocimiento y los gustos impresionantemente arcanos del cineasta.

La música que se debe utilizar para transmitir capas adicionales de información ambiental y emocional se utiliza en lugar de otro simplemente para apelar a la nostalgia y la autofelicitación.

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En el ámbito de la música cinematográfica, quizás el más famoso de los needle droppers es Quentin Tarantino, cuyo entusiasmo por los estallidos pop difamados apareció por primera vez en la escena culminante de Reservoir Dogs, con la canción de Stealer’s Wheel Stuck in the Middle With You . Tarantino inspiró a una generación de sucesores que participaban en una carrera armamentista cada vez más kitsch-funky-lado b con la que sorprendieron a un público igualmente conocedor. Junto a Noah Baumbach, cuyo debut en 1995 Kicking and Screaming incluyó cortes de Nick Drake, Jimmie ­Dale Gilmore y Alex Chilton, y Wes ­Anderson, cuyo debut Bottle Rocket utilizó canciones de la banda de los años 60 Love. Tarantino utiliza la música no sólo para construir un mundo en pantalla al que está pidiendo a la audiencia a creer, sino como una especie de silbato de perro para formar un vínculo tácito con personas de gustos y sensibilidad similares.

Mike Nichols revolucionó la música de las películas cuando utilizó las melodías de Simon y Garfunkel durante el drama de 1967 The Graduate, el humor melancólico de las canciones que capturan perfectamente el malestar y el aislamiento del protagonista.

Cuatro años más tarde, Robert Altman hizo McCabe & Mrs. Miller, que aunque estaba en el noroeste del Pacífico de principios del siglo XX, utilizó canciones de Leonard Cohen como su entorno sonoro, anacrónico, sin duda, pero ideal al escenario invernal de la película y al ambiente triste.

Lo que Nichols y Altman entendieron instintivamente fue la habilidad de la música pop para transmitir una gran cantidad de sentimientos intangibles, desde la vida interior de un personaje hasta el estado de ánimo del mismo, la dinámica social y hasta el clima.

En su estela, Martin Scorsese se ha convertido en el maestro reconocido del needle dropping, y su regalo de ritmos visuales y sónicos coincidentes alcanzó su apoteosis en Goodfellas, en donde los exuberantes acordes del solo de piano de Layla , de Eric Clapton, le otorga una tonalidad irónica a un montaje que representa las consecuencias brutales de una matanza de la mafia. Más tarde en la película, la aguja cae en rápida sucesión con Jump Into the Fire de Harry Nilsson, Memo from Turner de Mick Jagger, Who’s Magic Bus , What Is Life de George Harrison y Mannish Boy . Con esto, simultáneamente reflejó y aumentó el pánico que envuelve al protagonista de la película, Henry Hill.

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Hay muchos ejemplos de maravillosas películas dirigidas por la música según se informa, Paul Thomas Anderson escribió Magnolia al menos en parte inspirado en las canciones de Aimee Mann que desempeñan un papel crucial en esa película. Pero hay filmes más descuidados y desordenados que usan la música para encubrir defectos fundamentales.

El año pasado, el director Todd Phillips usó el needle dropping de pared a pared para compensar en reconocimiento inmediato que la película War Dogs carecía de profundidad y un punto de vista claro. Del mismo modo, la desastrosa Suicide Squad trató de enmascarar cualquier número de fallas con canciones pegajosas y literalmente pesadas, desde Sympathy for the Devil y Super Freak hasta Bohemian Rhapsody .

Como sucede, ambas películas contenían el himno de la época de Vietnam Fortunate Son , un clásico de Creedence Clearwater Revival que se ha convertido en un elemento básico de la película needle-drop.

Irónicamente, uno de los primeros directores que alguna vez lo puso en una película fue el fallecido Jonathan Demme, en su película de 1980 Melvin and Howard. Demme era venerado por el cuidado y la atención que le daba a la música en sus producciones, que a menudo levantaban a artistas de lo contrario oscuros u olvidados, como la cantante de reggae Sister Carol con Something Wild o Pixies con Married to the Mob.

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Hoy en día, los Pixies se pueden escuchar en todo, desde comerciales de Samsung hasta películas de Judd Apatow; su canción Where’s my mind es tanto una referencia generacional como Fortunate Son . Esa canción, tan nueva cuando Demme la usó en 1980, se ha utilizado en más de una docena de películas, casi como Run Through the Jungle , que ya se ha escuchado dos veces este año, en Kong: Skull Island y Free Fire.

Ninguna de las melodías puede comenzar a competir con el Hallelujah de Cohen, la más usada de todas, que se ha interpretado en unas 20 películas, y que tiene una moratoria pendiente. Eso es lo que sucede con el needle-drop: incluso los directores más brillantes amenazan con hacer banal lo que alguna vez fue el placer privado de una tribu selecta y exigente. Y sólo unas temporadas después, lo que una vez fue una rareza altamente apreciada, se ha convertido en papel tapiz aural o un trillado cliché.

Ann Hornaday es crítica de cine para The Wahington Post

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